La leyenda del tiempo - Guillermo Martínez (Cuarteto Vocal Europa / Aurelio Viribay)

Описание: Guillermo Martínez (1983): La leyenda del tiempo - texto: Federico García Lorca.
Cuarteto Vocal Europa: Vanessa García (soprano), Marta Knörr (mezzo), Diego Neira (tenor), José Antonio Carril (bajo) - Aurelio Viribay (piano)
León, 11/09/2023
Vídeo cortesía del Festival de Música Española de León
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Federico García Lorca: Extracto de la obra de teatro "Así que pasen cinco años" o "Leyenda del tiempo" (1931) - Acto IIIº / Cuadro Iº - Monólogo del Arlequín
El Sueño va sobre el Tiempo
flotando como un velero.
Nadie puede abrir semillas
en el corazón del Sueño.
¡Ay, cómo canta el alba! ¡Cómo canta!
¡Qué témpanos de hielo azul levanta!
El Tiempo va sobre el Sueño
hundido hasta los cabellos.
Ayer y mañana comen
oscuras flores de duelo.
¡Ay, cómo canta la noche! ¡Cómo canta!
¡Qué espesura de anémonas levanta!
Sobre la misma columna,
abrazados Sueño y Tiempo,
cruza el gemido del niño,
la lengua rota del viejo.
¡Ay cómo canta el alba! ¡Cómo canta!
(Con la otra careta.)
¡Qué espesura de anémonas levanta!
Y si el Sueño finge muros
en la llanura del Tiempo,
el Tiempo le hace creer
que nace en aquel momento.
¡Ay, cómo canta la noche! ¡Cómo canta!
¡Qué témpanos de hielo azul levanta!
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Comentario del compositor Guillermo Martínez sobre su obra "La leyenda del tiempo", fantasía para cuarteto vocal y piano basada en textos de García Lorca, escrita en otoño de 2011 y estrenada el 28 de enero de 2012 en el Teatro Monumental de Madrid:
"El título de la obra nos remite a la pieza teatral de Lorca "La leyenda del tiempo", también conocida como "Así que pasen cinco años". El texto empleado por el compositor es un fragmento del tercer acto, en concreto el monólogo del arlequín. Este pasaje lorquiano, nos traslada a una atmosfera onírica y metafísica; un debate de ideas en el que se entrelazan los conceptos sueño y tiempo. Así, estos conceptos inundan la música de un color armónico y sentido estético afín. La naturaleza de ésta canción del siglo XXI, parece un espejismo de la forma canción romántica. De este modo, su sonoridad, hechura, y discurso definen una escritura neo-lírica, vinculada a precedentes románticos como los Liebeslieder Walztes de Brahms, o los Spanisches Liederspiel de Schumann. Además, este principio neo-lírico es confirmado en el tratamiento de la voz humana y del piano, en una escritura diáfana, cálida, e idiomática.
Este aspecto neo-lírico, es refutado asimismo desde el plano armónico. De este modo, los colores armónicos del poema rehúyen del abstraccionismo extremo defendido por otras tendencias contemporáneas, dibujando un paisaje sonoro neo-tonal. La armonía tiene base en las técnicas clásicas, y es reinventada desde la construcción que no la destrucción de estos principios.
En lo relativo a la forma u organización de los materiales temáticos, la obra obedece a la estructura del poema. Así, encontramos una fantasía con madrigalismos mas que una canción en su concepto clásico. La elección de la forma fantasía, dota de gran libertad al discurso musical, y este es engarzado en una estructura inevitablemente genuina. Con una duración aproximada de 15 minutos, esta obra está concebida en un movimiento único.
La obra arranca con una introducción y exposición de la cantilena que protagonizará toda la primera sección de la obra. Esta melodía de ritmo ternario, y llena de carga lírica imprimirá el carácter de toda la primera mitad de la obra. El pasaje desarrollado por el piano se extenderá dos minutos y medio. Finalmente, este será reducido a un segundo plano para legar el protagonismo y discurso a la voz. Así, la soprano presenta nuevamente la cantilena en boca cerrada, y sobre el colchón armónico dibujado por el piano. A continuación, el tema comenzará un desarrollo en el que cada nueva versión irá incrementando su revestimiento armónico, su fuerza dramática, así como su tensión estética. Alcanzado el cenit de este primer capítulo, un interludio dulce, estático, y breve preparará las puertas hacia la segunda mitad de la obra.
En ésta segunda mitad de la obra, emerge un nuevo tema de naturaleza mas majestuosa. Éste es presentado en dos ocasiones por un sonoro tutti, y tras su exposición da comienzo un caleidoscópico desarrollo. Así, el tema viajará por numerosos estadios: exóticos, rítmicos, preciosistas, acelerando la intensidad del discurso hasta un cenit sin solución de continuidad. Tras éste le aparecerá un capitulo armado sobre un acorde pedal, creciente desde el pianissimo hasta el fortissimo, y que antecede a la re-exposición final del tema.
Luminoso, puro, terminado, emerge el tema una vez mas, con pleno ímpetu. Contrasta tras éste, un breve y calmo epílogo en el coro. Finalmente, llegarán los últimos ecos de lo que antes era impetuoso. Estas últimas olas de música disiparán con suavidad la escena hasta acariciar lo etéreo".
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